Galerieeröffnung 

La Felce Galerie
Maria-Hilf-Straße 15-17
50677 Köln

9. Mai 2026, 18 Uhr
Eröffnungsausstellung mit Ramon Quenders.
Zu Besuch ist Andreas Schulze.
Einen Text zur Ausstellung hat Kurt Cassady geschrieben.

Herzliche Einladung

Cafe Wahlen              – Kurt Cassady

Wir wurden dann auch ins Café Wahlen eingeladen. Nicht zum Kuchenessen, aber vielleicht
um darüber zu schreiben. Davor hatte Timo schon den Ramon Quenders eingeladen, eine
Ausstellung zu machen, und der hat wiederum seinen ehemaligen Professor Andreas Schulze
eingeladen, oder vielleicht war das auch Timo. So oder so kommt Schulze dann in Gestalt
eines Bildes zu Besuch.
Uns erreichte eine schöne Einladungskarte in Form eines kleinen Briefings. So was braucht
man ja, damit man sich da mal reindenken kann und weiß, worüber man schreiben soll. In
dem waren selbstverständlich Bilder von den Malereien, weniger selbstverständlich gab es
auch noch Fotos aus dem Café Heinemann in Düsseldorf. Das ist wohl das Pendant zum
Kölner Café Wahlen. Dort hatten sich Timo und Ramon öfter getroffen und über Sü.speisen,
Kaffee und Eiersalat mit Schinken die Ausstellung geplant oder einfach so über was anderes
aus ihrem Leben geredet. Man könnte sich natürlich fragen, warum dann jetzt überhaupt das
Café Heinemann auftaucht, wo wir doch in Köln sind und das Wahlen hier so ne große Rolle
spielt. Das wiederum liegt an einer Anekdote, die wir nochmal erzählen wollen, weil es
eigentlich die schönste Art ist, über diese Ausstellung zu sprechen.
Man erzählt sich also, dass Andreas gerne Klopse oder vielleicht Möhreneintopf oder
Schnitzel Wiener Art oder so was bei der Konditorei Heinemann aß. Auf dem Weg nach
draußen kaufte er dann noch Kuchen und Plätzchen, vielleicht die Kirschtorte mit der
Marzipan-Oblate darauf, wo die Kirschen aussehen wie ein Fahrrad, und brachte sie seinen
hungrigen Studierenden zum Kolloquium mit. Einfach so, ohne Anlass, keiner hat
Geburtstag. Und auch an unsere Ohren gelangt diese Erinnerung von Ramon noch vor jeder
Werkbeschreibung.

Das, könnte man sagen, ist eine Geste par excellence. Denn man muss unterscheiden
zwischen Gesten, deren Selbstzweck die Geste ist, und jenen anderen, denen wir unterstellen,
einem Folgezweck zu dienen. Dazu zählen wir unter anderem alle Gesten, die einer Regel
folgen, Regeln der Höflichkeit, des Knigges. Die Geste, so wie wir sie begreifen, benötigt
zum einen eine Form von Zwecklosigkeit. Ich bringe keine Blumen mit, weil ich etwas
erreichen will, sondern ich bringe Blumen um des Blumenschenkens willen mit. Zum
anderen bedarf sie einer mangelnden Erwartungshaltung des Gegenübers. Wenn mich mein
Kollege auf dem Flur freundlich grü.t, ist das noch keine Geste, sondern lediglich eine
Handlung, die der standardisierten Form unserer gesellschaftlich vereinbarten Höflichkeit
entspricht. Die Geste bedarf des Umweges des Handelnden. Auch das erfreut uns an ihr: Sie
muss nicht sein und doch ist sie da. Die Geste offenbart die innere Haltung des Handelnden
seiner Umwelt gegenüber. Denn wenn jemand einen großen Beutel Leckereien aus seiner
Lieblingskonditorei mit zum Kolloquium bringt, wenn einen jemand einlädt, wenn einem
jemand etwas ausleiht, ohne etwas dafür haben zu wollen, dann sagt das doch: So, so hätte
ich die Welt gerne. Ich hätte gerne, dass wir gemeinsam Kuchen essen und uns Dinge teilen
und ja, liebevoll miteinander sind.

Am Anfang haben wir uns noch gefragt, ob das jetzt für einen Ausstellungstext vielleicht
doch zu viel um diverse Backwaren geht, aber die konditorische Geste drückt so viel
poetischer als jede andere Allegorie aus, welches Miteinander man sich hier wünscht.

Kurt Cassady 

nectar

Vera Keckstein

kuratiert von Julia Stellmann
08.11.–07.12.2025

Eröffnung: 07.11.2025 18-21 Uhr
Preview zur Art Cologen >> mail@lafelce.de 

Nektar haftet an den Lippen, sitzt zähflüssig zwischen den Fingerkuppen, legt sich zart auf warme Haut, verführt Augen und Gedanken, lässt sie leuchten, wie wenn sich Licht in farbigen Glasfenstern fängt. In sich gekehrte Blütendolden öffnen sich, locken Schmetterlinge, Bienen und Kolibris an, lassen sie von Blüte zu Blüte tanzen, verhelfen ihnen zu neuer Kraft. Solche Blüten, die wie überpralle Früchte fast von ihren Stängeln fallen, weil sie in sich das Licht der Sonne ballen, bis dass süßer Saft austritt. Er ist Ansporn und Belohnung, mischt sich mit Tau zum Honig, schmeichelt der göttlichen Zunge nach Ambrosia-Genuss. Als Essenz des Lebens nährt, verbindet, inspiriert er, ist steter Quell von Wachsen, Blühen und Vergehen, schwingt hinein in unendlichen Lebenskreislauf. Nektar lässt auch an fluide Körper denken, die sich einander nähern, unerklärliche Verbindung zueinander spüren, süß schmeckt die Berührung ihrer Haut. Wenn du ganz still bist, kannst du es selber hören, kannst es schmecken und auch fühlen, wie es rauscht und fließt und ruft. Klebrig sind dann die Finger und Gedanken, die fast aus den übervollen Köpfen ranken, die Augen fluten und den Mund, als ob Harz aus wunden Stellen tritt.  –  Julia Stellmann

Subjekt Subjekt

Lennart Schweigert

kuratiert von Lena Stewens
06.09.–03.10.2025

Publikation zur Ausstellung: Release 19.09. at Between Books, Kunsthalle Düsseldorf

Eröffnung: 05.09.2025 18 Uhr
Do + Fr 17-19 Uhr
Graphik Design von Anne Krieger

Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln

In seiner ersten Einzelausstellung Subjekt Subjekt zeigt Lennart Schweigert eine Serie von Malerein, die sich auf eine reduzierte motivische Konstellation konzentrieren: Baum, Haus und Atmosphäre. In rituellen Variationen flimmern sie zwischen Erinnerung und Konstruktion, zwischen individueller Empfindung und kollektiver Bildgeschichte. Vertraute Symbole lösen sich von ihren Deutungen und entfalten sich als eigenständige Bildsubjekte, deren Beziehungen zueinander stets neu verhandelt werden.

ENG

In his first solo exhibition Subjekt Subjekt, Lennart Schweigert presents a series of paintings focused on a reduced constellation of motifs: tree, house, and atmosphere. In ritualistic variations, they flicker between memory and construction, between individual perception and collective visual history. Familiar symbols detach from their interpretations and emerge as autonomous visual subjects, whose relationships are continuously renegotiated.

Subjekt Sebjekt  –  Lena Stewens

Ohne feste Trennung von dem, was wir auf sie projizieren, und dem, was sie viel eigentlicher sind, stehen diese zwei Objekte da. Bild für Bild. Aufgeladen weit über die Konturen ihrer abstrahierten Formen hinaus. Ein Baum und ein Haus eingebettet in einer atmosphärischen Landschaft. Vierundzwanzigmal wird dieses Motiv von dem Künstler Lennart Schweigert malerisch ausdiskutiert. Das Ergebnis liest sich wie ein intrikates Geflecht an Beziehungen, das sich scheinbar unendlich fortschreiben lässt.

Die zugrunde liegende Bildformel dieser Werkserie ist Blaupause einer Art Ideallandschaft, durchzogen von menschlichen Sehnsüchten. Und wir könnten lange über die Symbolik sprechen, etwa über das Haus als Synonym für Zuflucht und Innerlichkeit, eine Art Schale, deren Haut das Außen vom Innen abgrenzt und der Resonanzkörper von Erinnerungen wird. Im gleichen Atemzug ließe sich über die Kehrseite dieses Schutzraums sprechen, als Gefängnis oder als fragile Struktur, bedroht durch Kriege, Klima und andere zerstörerische Fremdeinwirkungen.

Der Baum hingegen verkörpert eine Zeitlichkeit, die über ein Menschenleben hinausreicht und Generationen verbindet. Axis mundi. Stoischer Zeuge von Wachstum und Sterblichkeit. Es könnte einerseits ein Ansatz sein, nachzugehen, ob das Haus genauso natürlich ist wie ein Baum und wo sich der Mensch darin positioniert. Und dann könnte die Debatte eröffnet werden darüber, wo die Grenzen zwischen Kultur und Natur verlaufen, und diese Grenzen auch auf eine Selbstwahrnehmung anzuwenden sind, und dass diese harte Unterscheidung wahrscheinlich der Ursprung einer irreparablen Entfremdung ist.

Symbole sind keineswegs neutral, sondern Träger kultureller Codierungen. All diese Ebenen klingen in Schweigerts Malerei an, doch erschöpfen sie sich nicht im Symbolischen. Vielmehr lenken sie den Blick mit Bestimmung auf etwas Transaktionales, auf eine Bezugnahme.

Denn durch die Summe der Malereien scheinen sich die Motive ihrer symbolischen Fixierung zu entziehen und sich als autonome Akteure zu präsentieren. Sie stehen jedes Mal da, stehen für sich ein und treten gleichermaßen immer wieder erneut zueinander in Beziehung. Was als Objekte unserer Projektionen verstanden werden kann, gewinnt in Schweigerts Bildern an Souveränität. Subjekt steht neben Subjekt. Es entsteht ein relationales Feld, das auf Zwischentöne und Stimmungen sensibilisiert.

Die abstrahierten Flächen, in denen Haus und Baum gesetzt werden, sind die dritte Instanz in dieser Bildkomposition. Das Dazwischen. Ein verdichteter Raum, gesättigt mit unausgesprochenen Möglichkeiten, die in der Luft zu liegen scheinen. Sie bilden keine sekundäre Landschaft im Sinne eines kulissenhaften Hintergrunds, sondern agieren als vordergründige Einheit. Nicht selbst Gestalt, aber Einordnung jeder Begegnung. Durchdringend wie das Wetter modulieren diese vibrierenden Farbfelder die Beziehung zwischen den Motiven. Mal leuchtend, mal lodernd oder von der Finsternis geschluckt. Der abstrakte Zwischenraum dieser Verhältnisse lässt sich als Atmosphäre fassen.

Die fortgesetzte Variation dieser drei Grundelemente, Haus, Baum und Atmosphäre, ist weniger Wiederholung im Sinne einer Festschreibung als vielmehr eine methodische Prüfung. Schweigerts Malprozess beruht auf einer systematischen Wiederkehr, die nicht das Identische verfestigt, sondern Differenzen hervorarbeitet. Jede Iteration erinnert sich an die vorherige, überschreibt ein Detail, verschiebt einen Akzent oder erweitert die Geschichte. Durch diese gegenseitig zitierenden Variationen entsteht ein offenes Archiv von kompositorischen Elementen, das stetig neu verhandelt wird. In jener malerischen Nuancierung beginnt das Feste sich zu lösen, beginnt zu flimmern. Wie Momentaufnahmen, die im Dunkeln auf der Netzhaut nachglühen.

Die Titel der einzelnen Arbeiten kommentieren die relationale Dynamik, die ihnen innewohnt. Zusammengesetzt bilden sie ein vierundzwanzigzeiliges Gedicht, das die Verstrickungen von Eigen- und Fremdwahrnehmung sowie von Nähe und Distanz in zwischenmenschlichen Begegnungen thematisiert. Es verweist auf jene Schwellenräume zwischen Innen und Außen, zwischen Ich und Du, in denen ein fast schmerzlicher Moment der Leiblichkeit spürbar wird.

Das Gedicht artikuliert ein Bewusstsein dafür, dass Annäherung zwar geschieht und geschehen muss, jedoch niemals zur vollständigen Verschmelzung führen kann. Sich stets im Gegenüber spiegelnd, bleibt Subjektivität relational, auch wenn sie unteilbar ist. verbunden mit / getrennt von.

Dieses Pendeln erzeugt eine Ambivalenz, die sowohl Sehnsucht als auch Melancholie hervorruft. Es lässt sich der paradoxe Kern erkennen, der in Schweigerts malerischer Untersuchung ganz tragend zum Ausdruck kommt. Diese Spannung wird zur Meditation über die Grundbedingungen des Seins.

Es tastet sich an etwas heran, das nur in immer neuen Annäherungen erfahrbar wird. Eine Beziehung ist ein ewiger Prozess im Werden, der sich nie endgültig abschließt. Baum und Haus, Haus und sein Baum werden somit zu Stellvertretern für jede Form der Begegnung, zwischen Menschen, Dingen, zwischen Bewusstsein und Welt, zwischen dem Sichtbaren und dem, was sich einer konkreten Darstellung entzieht. In Schweigerts vierundzwanzig Variationen verdichtet sich die Erkenntnis, dass Identität nur in der Relation existiert.

Das Paradox der Individualität, die sich nur durch das Andere konstituiert, wird hier zum malerischen Prinzip erhoben. Zwar alles für sich selber, aber niemals allein. Umgeben von einem Horizont geteilter Erfahrung.

Simon Modersohn und Daniele Toneatti 

Schichtwechsel
Kuratiert von Louis Barkow
27.06. 18-22 Uhr (Vernissage)
28. Juni - 27.07.2025 | Do + Fr 17-19 

Mit „Schichtwechsel“ zeigt La Felce erstmals Werke der Künstler Simon Modersohn und Daniele Toneatti in Köln. Der Titel lässt sich als offenes Motiv verstehen, das in beiden Positionen verschieden zum Tragen kommt – bei Toneatti in einer bildarchäologischen Praxis, bei Modersohn im Spannungsfeld von Architektur, Natur und subtilen atmosphärischen Verschiebungen. Beide Künstler setzen Innen und Außen jeweils auf eigene Weise in Beziehung – als visuelle Strategie, psychologisches Moment oder räumliche Erzählung.

Daniele Toneatti arbeitet mit Bildmaterial aus unterschiedlichsten Quellen – von Stockfotos über kunsthistorische Verweise bis hin zu persönlichen Fotografien und Zeichnungen –, die er übermalt, überlagert, verbirgt, fragmentiert oder freilegt, oft mithilfe von zwei Leinwänden, aus denen ein „drittes Bild“ entsteht. Technisch an die Collage angelehnt, verdichtet diese Form hybrider Bildproduktion Erinnerung und Weiterführung zu einem vielschichtigen Ganzen. Seine Arbeiten gleichen einer Schichtung von Zeit und Bild, in denen Sichtbares und Verborgenes stetig im Wechselspiel stehen.

Simon Modersohn greift auf Motive der Landschafts- und Architekturdarstellung zurück – Häuser, Gärten, spiegelnde Flächen – die er in einer reduzierten, klar strukturierten Bildsprache neu ordnet. Insbesondere das Haus kehrt immer wieder – meist als Außenansicht mit leuchtenden Fenstern, hinter denen sich ein Innenraum andeutet, der sich jedoch dem Blick entzieht. In einem Werk in der Ausstellung rückt stattdessen ein schmaler Hausflur ins Zentrum – ein unscheinbarer Übergangsraum, in dem sich Spuren der Bewohner sammeln, ohne dass jemand in Erscheinung tritt.

In beiden Fällen liegt im Wechsel der Schichten ein Erkenntnismoment: Etwas wird sichtbar, weil anderes verborgen bleibt.

Dank für die begleitende Unterstützung gilt Hagen Schümann.

Louis Barkow

Simon Modersohn (*1991) lebt und arbeitet in Hamburg und Fischerhude. Er studierte bis 2019 Malerei bei Werner Büttner an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Er hatte u. A. Einzelausstellungen bei Åplus, Berlin (2023, 2022, 2019), Kunstverein Bremerhaven (2020) und war Teil der Wanderausstellung Jetzt! Junge Malerei in Deutschland, Kunstsammlungen Chemnitz, Museum Wiesbaden, Kunstmuseum Bonn, Deichtorhallen Hamburg (2019 – 2020).

Daniele Toneatti (*1989 in Schio, Italien) lebt und arbeitet in Paris. Er studierte Modedesign an der Central Saint Martins in London (2014) und hatte u. A. Einzelausstellungen bei Peres Projects, Mailand (2024) und Open Forum, Berlin (2023). Seine Arbeiten waren kürzlich in der Galerie Derouillon im Rahmen der Gruppenausstellung Vita Dopo Vita von Lux Feminae, Paris (2025), zu sehen.

ENG

With „Schichtwechsel“, La Felce presents the work of artists Simon Modersohn and Daniele Toneatti in Cologne for the first time. The title can be understood as an open motif that manifests differently in each artist’s work – in Toneatti’s case through a kind of image-archaeology, and in Modersohn’s through the tension between architecture, nature, and subtle atmospheric shifts. Both artists relate the concepts of interior and exterior in distinct ways – as visual strategy, emotional undercurrent, or spatial narrative.

Daniele Toneatti works with image material drawn from a wide range of sources – from stock photography and art historical references to personal photographs and drawings. He paints over, overlays, conceals, fragments or reveals these images, often using two canvases and creating a “third image.” Technically based on collage, this form of hybridised picture making condenses memory and continuation into a layered whole. His works resemble sedimentations of time and image, in which the visible and the hidden are in constant interplay.

Simon Modersohn draws on motifs from landscape and architectural painting – houses, gardens, reflective surfaces – but reworking them through a reduced, precisely structured visual language. One motif recurs with particular insistence: the house, often seen from the outside, its glowing windows hinting at an interior that stays just out of sight. In one work in the exhibition, by contrast, a narrow hallway takes center stage – an unassuming transitional space where traces of the inhabitants accumulate without anyone ever appearing.

Simon Modersohn (*1991) lives and works in Hamburg and Fischerhude. He studied painting with Werner Büttner at the University of Fine Arts Hamburg, graduating in 2019. His solo exhibitions include shows at Åplus, Berlin (2023, 2022, 2019), and Kunstverein Bremerhaven (2020). He was also part of the touring exhibition Now! Young Painting in Germany, shown at Kunstsammlungen Chemnitz, Museum Wiesbaden, Kunstmuseum Bonn, and Deichtorhallen Hamburg (2019–2020).

Daniele Toneatti (*1989 in Schio, Italy) lives and works in Paris. He studied fashion design at Central Saint Martins in London (2014). He had solo exhibitions at Peres Projects, Milan (2024) and Open Forum, Berlin (2023). His work was recently on view at Galerie Derouillon as part of the group exhibition Vita Dopo Vita by Lux Feminae, Paris (2025).

Formel & Gegengift

Stella Jermann, Tom König, Tara Olsen, Alissa Ritter

verlängert: bis 11.05. by appointment | open: 07.05. 16-19 , 08.05. 17-21 (F)
05.04.–04.05.2025
Eröffnung: 04.04.2025 18 Uhr
Elisa Mosch (Text), George Popov (Gestaltung), Timo Schmidt (Kuration)
Do + Fr 16-19 Uhr (Karfreitag, 1.& 2 Mai nicht geöffnet)
Request Preview available  > mail@lafelce.de

Formel & Gegengift. Es geht um Formeln, um Perspektiven auf diese und um Gegengift. Gegengift als Hindernis zur Formel oder zum Entgiften. Nachdem im Jahr 2024 die Malerei besonders präsent war, startet die erste Ausstellung mit drei Bildhauerinnen und einer Malerposition. Die Arbeiten bringen mit verschiedenen Materialien und Dimension unterschiedliche Sichtweisen und Erfahrungen zu „Formel und Gegengift“ in die Ausstellung. Im Allgemeinen ist die Ausstellung doch wieder in die Nähe oder mitten dem Thema Liebe gelandet. So war schnell klar, dass Elisa Mosch nach der Eddi Kola, Grenoble Ausstellung, bei der es um Sehnsucht ging, auch einen Text über diese Ausstellung schreibt – über die Ausstellung, die Liebe, die Arbeiten der Künstler:innen und über Gegengift. 

Exhibition Trailer
Poseidons Töchter von Tara Olsen 20.03.-02.04./24h. Mit Blick auf das Medium der Ausstellung und einem Ausprobieren von Möglichkeiten hinsichtlich Hinführung und Einleitung hin zur Ausstellung, war im Vorfeld die Arbeit Poseidons Töchter zu sehen. Für das Format verwenden wir zur Zeit den Begriff Exhibition Trailer. Bei der Ausstellung von Manuel Boden (Juni 2022) gab es zum ersten Mal dieses Format. 

Info Künstler:innen: Alissa Ritter    Tara Olsen
Stella Jermann     Tom König
George Popov (Gestaltung)    Elisa Mosch (Text)
Titel der Ausstellung ist aus: needs character to fail Thomas Zika (2020), Ed.15 

                  Elisa Mosch (Text)
„Liebe ist Handlung.“1, schreibt Bell Books. Sie existiert nicht in der Sehnsucht, nicht in der Theorie, sondern im Tun – im Blick, in der Geste, in dem, was man gibt und hält. Liebe verlangt Offenheit, Berührung, die Bereitschaft, nicht nur gesehen zu werden, sondern sich wirklich zu zeigen. Liebe ist die Formel. Sie ist das, was alles durchdringt. Nicht als Geheimnis, nicht als geschlossenes System, sondern als etwas, das sich bewegt – eine Strömung, die sich ständig wandelt. (1 Bell Hooks, All About Love: New Visions, Harper Perennial, 2000, S. 4.)

In der Ausstellung „Formel & Gegengift“ im La Felce werden Arbeiten von Stella Jermann, Tom König, Tara Olsen und Alissa Ritter gezeigt. Einige der Werke durchzieht Wasser – als Medium für das Unbewusste, als Element, das in der Mystik für die Gefühlswelt steht.

Stella Jermanns Arbeit When does the simulation filter ‘real life‘? sind Wannen, gefüllt mit Wasser, die schweigend beieinander stehen, wie ein ruhiges Reservoir für all das, was zwischen Nähe, Distanz, Beziehung und Autonomie oszilliert. Sie drücken eine fragile Balance zwischen Berührung und Abwesenheit aus, in der sich das Außen im Innen sowie im Dualismus spiegelt. Die beiden Wannen sind einander in einem Dialog zugewandt, zwei autarke Körper, in ihrer Form identisch, die miteinander interagieren, ohne sich in ihren eigenen Grenzen aufzulösen. Mitunter scheinen sie autonom zu agieren, doch bisweilen auch darauf zu warten betreten und genutzt zu werden. Etwas, das keiner Sprache bedarf, sondern nur ein miteinander Sein im intimen Moment ausdrücken kann.

Tara Olsens Arbeit Station 3 verbindet Stein, der anmutet wie helles, frisches, festgehaltenes Wasser – wie eine archaische Vergangenheit und eine absolute Gegenwart, die zusammen in einem Moment der Zukunft gedenken. Kugeln ruhen auf den Steinobjekten, als wären sie aus der Tiefe emporgetrieben, aus einer Welt, in der alles fließt und nichts festgeschrieben ist. Sie wirken wie Überreste einer anderen Zeit, wie Fragmente, aber auch wie die Essenz, der Kern, die Magie eines Mythos, der sich seiner eigenen Erzählung entzieht. Bei näherem Hinsehen zeigt sich, dass sie nicht perfekt sind – keine industriell gefertigten Kugeln, sondern Spuren einer Berührung, von menschlicher Formung. Die metallene Kugel trumpft als Spiegelmoment am Kopfe der Skulptur, die dem Orakel von Delphi gleich zu sagen scheint: „Erkenne Dich selbst.“ Der organisch geformte, teils raue Stein, trägt Einkerbungen und bezirzt mit der Inschrift „promiskuitiv“. Das reliktartige Objekt erlaubt Einsichten, die es möglich machen, Wahrheiten, Regeln, Beziehungen und sich selbst zu hinterfragen. Tara Olsens Skulpturen bewegen sich zwischen Ordnung und Strömung, zwischen Struktur und Auflösung, zwischen Anmut und Zerstörung.

Tom König arbeitet in ?02 (all that is solid melts into air) mit Bitumen, Lack, Pigmenten und Acryl in Schwefelgelb, und Inkjetprint auf Nessel. Pech und Schwefelgelb – eine alchemistische Kombination, die Gegensätze aufruft: Dichte und Flüchtigkeit, materielle Dunkelheit und in Bewegung bringende Energie. In diesen Spannungen spiegeln sich auch die Motive der Ausstellung. Die eingesetzten Materialien unterwerfen sich jedoch keiner klaren Bedeutungszuschreibung und widerstehen einer eindeutigen Lesart. König setzt sie gezielt als Kontrastmittel zu malerischen Vorstellungen von Pathos ein. Farbe fungiert hier nicht als metaphysische Geste, sondern als Mittel zur Überlagerung, zur Verdeckung, zur Reflexion über die Bedingungen von Sichtbarkeit selbst. Die Arbeit entzieht sich der Entschlüsselung und stellt stattdessen Fragen. In ihrer geschichteten und doch zurückgenommen wirkenden Materialität öffnet sich ein Raum, in dem sich Bedeutung nicht abbildet, sondern andeutet. Gerade in dieser Zurückhaltung liegt ihr Gegenbild zu überformten Narrativen und als stilles Gegengift zur Projektion.

Alissa Ritters Arbeit powder room (backstage) changiert zwischen Sichtbarkeit und Verhüllung. Ihre Masken hängen sich gegenüber wie Zwillinge aus einem Guss, wie zwei Spiegel, die einander reflektieren, und eine Bewegung zwischen Inszenierung, Entblößung und tiefer Verbundenheit andeuten. Die durchscheinenden Oberflächen der Masken tragen die Spur von Berührung. Ihre Augen sind als innekehrendes Moment geschlossen – als Geste der Ruhe und der Einkehr, als Schutz, als Selbstreflektion und Selbstreferentialität. Der rote Mund widersetzt sich der Innenkehr, als lautes Merkmal des Begehrens für- und zwischeneinander, und für sich selbst. Er ist gleichermaßen ein Symbol für Leidenschaft, als auch für Maskerade. powder room (backstage) verweist auf den historischen Begriff eines Rückzugsraums hinter der Bühne, vor einem Auftritt – eines Ortes der Vorbereitung, an dem die Inszenierung eingeleitet wird. Ein Raum des Werdens, der sich formen will und zur Form und Formel verhilft. Ritters Masken sind keine festen Identitäten, sondern fragile Übergänge, Reflexionen dessen, was sich verändert, und was im aufgeladenen Raum zwischen den beiden Gesichtern passiert.

Wenn die Tiefe der Liebe die Formel ist, ist die Oberfläche das Gegengift.

Das Gegengift ist nicht laut. Es ist nicht sichtbar. Es ist nicht die Konfrontation, sondern ihr Fehlen. Es ist das leise Vermeiden, das allmähliche Verschwinden. Es ist das Schweigen, das einen Raum füllt, bis nichts mehr gesagt werden kann. Es ist das Zögern, das nie Klarheit wird. Es ist das, was Liebe verdunsten lässt, bevor sie sich überhaupt formen kann.

Wahre Liebe ist nicht das, was sich entzieht. Sie ist nicht das, was sich in Mauern und Schutzmechanismen verliert. Sie ist die Tiefe, in die man sich wagt, wenn man aufhört zu vermeiden. Sie ist das, was geschieht, wenn man den Mut hat, sich zu zeigen. Und so wie Wasser die Tiefe spiegelt, aber auch verbirgt, zeigt sich die Liebe erst dann, wenn man bereit ist hinzusehen. Sie verlangt, durch Schichten hindurchzugehen – durch eigene Muster, durch das Unbewusste, durch das, was uns trennt, um schließlich an den Kern zu gelangen.

Vielleicht ist das Gegengift kein Gift. Vielleicht ist es nur das, was sich schmerzhaft anfühlt, wenn alte Schutzschichten abgetragen werden. Vielleicht ist es nur die Angst vor der Tiefe, die einen glauben lässt, dass es sicherer ist, an der Oberfläche zu bleiben.

Doch Liebe ist keine Oberfläche. Sie ist ein Abstieg, ein Eintauchen, ein Finden. Und in diesem Finden liegt die einzige Formel, die zählt.
Elisa Mosch

Exhibition Trailer: 20.03.-02.04.2024/24h

Tara Olsen greift auf Mythologien zurück, die sowohl intim und persönlich als auch universell erscheinen. In ihrer Arbeit Poseidons Töchter, die als Preview zur Ausstellung gezeigt wird, verweist sie auf ein Narrativ, das im Mythos nicht existiert. Poseidon, der Meeresgott, wird meist als Vater von Söhnen dargestellt – doch was, wenn seine Töchter eine eigene Geschichte erzählen?

Olsen schafft mit ihrer Skulptur eine alternative Erzählung und hinterfragt damit konventionelle Strukturen und Narrative. Die Struktur des Steins ist unwiderruflich aufgebrochen, gar zerborsten wie eine malerische Kulisse von Felsenklippen. Die hellgrünen Adern züngeln wie erstarrte, ins Steininnere gemalte Wellen. Auf den Bruchebenen ruhen und wachen die verspiegelten Murmeln, wie die Hüterinnen eines Geheimnisses, dessen doch alle teilhaben können, die willens sind, sich selbst zu erkennen, und sich zu öffnen, um in Relation zu treten.

Eddie Kola. Grenoble, Grenoble, Grenoble

Francisca Silva, Patrick Niemann, Ramon Quenders

26.10.-24.11.2024 | Do + Fr 16-19 Uhr 
Opening: 25.10.2024  | Finissage 30.11. 17-21 Uhr + Release Booklet Exhibition 2024
Text: Elisa Mosch
Exhibition: Timo Schmidt

Ist man an einem anderen Ort ein anderer Mensch? Eine Reise ist stets mit einem Ortswechsel verbunden. Wann hört ein Ort also auf, wann fängt der nächste an, und ab welchem Moment beginnt eine Reise? Reisen kann man physisch, aber auch geistig und emotional; oder wenn man Worten folgt und liest. Man kann in der Zeit reisen, in Erinnerungen und in Vorstellungen von der Zukunft, an den Ort oder Moment, an den man sich sehnt. Sehnsucht ist das treibende Sehnen nach dem, was gerade nicht ist. Eine teils schöne und zuweilen verzweifelte Reise, jedoch mit klarem Ziel. Und Imagination und Kreation können dazu genutzt werden, diese Reise anzutreten.

Patrick Niemann (*1976), Francisca Silva (*1984) und Ramon Quenders (*1992) leihen uns ihre inneren und äußeren Bildwelten und verbinden jene zu dritt in der Ausstellung Eddie Kola. Grenoble, Grenoble, Grenoble im La Felce.

Eddie Kola ist ein Graffiti-Schriftzug, der in dem Essay Kool Killer oder Der Aufstand der Zeichen (1975) von Jean Baudrillard erwähnt wird. Zusammen mit Grenoble Grenoble Grenoble ist der dadaistisch anmutende Titel nicht nur phonetisch wohlklingend, sondern erinnert an einen Zauberspruch, der durch dreifache Besiegelung wirksam wird.

Francisca Silva arbeitet als Tattoo-Künstlerin in New York und absolvierte ihre künstlerische Ausbildung an der Züricher Hochschule der Künste (ZHdK). Sie nutzt ihr eigens kreiertes Lettering nicht nur für ihre Tätowierungen, sondern auch für ihre multimedialen Kunstwerke. Mit ebendiesen lebensbejahenden, hexischen und reflektierenden Aussprüchen und Bildmotiven, fasziniert sie sich für Phänomene der nicht sichtbaren Parallelwelten, der Popkultur sowie die Sprache des Internets. Die beiden Künstler Patrick Niemann und Ramon Quenders absolvierten ihr Studium an der Düsseldorfer Kunstakademie in den Klassen von Albert Oehlen und Andreas Schulze, und fanden ihre künstlerischen Anfänge beide in der Graffiti-Szene. Und Graffiti ist eine Sprache, die draußen lebt, voller Kodierungen und Kürzel. Und eine Sprache ist eine Welt.

Ramon Quenders macht sich Schrift zu eigen und nutzt sie wie Titel oder Plakatüberschriften, oder Unterschriften. Seine gemalten Szenen verweisen auf Sehnsuchtsorte und Sehnsuchtsmomente. Erinnerungen an warme Tage, das Vermissen und Schwelgen, stehen als Verweise auf die sonnige Seite des Lebens, die einst war. Sie erzählen davon, dass Glück stets ein Moment ist, die Wertschätzung eines Moments erst real wird, wenn er zur Erinnerung geworden ist, und muten deshalb bittersüß an.

Auf der einen Seite wirken die Bilder kindlich-naiv, auflockernd und befreiend. Und doch tragen sie weitere Schichten, die sich herausschälen, je länger man sie betrachtet. Sie zeugen von der Kraft, die Reminiszenzen bieten, greifen eine Melancholie auf, die Reife mit sich bringt, ohne dabei bloß traurig zu sein. Sie erzählen vom Aufbrechen mit Bewusstheit und Klarheit. Sie erzählen von der tief emotionalen und gleichzeitig ernüchternden Erkenntnis, die kommt, nachdem man erlebt hat, dass Sehnsucht, das sehnliche Verlangen nach etwas ist, das gerade nicht ist, oder nicht sein kann. Sie sprechen von Hoffnung und Verzweiflung gleichzeitig. Die lebendige und helle Bildsprache an der Oberfläche der Leinwände, taucht ein in Hintergründe und Untergründe des Lebens. 

Patrick Niemann nutzt bunte und oft helle oder gar grelle Farbflächen, um kreisende und reisende Gedanken anzudeuten und eröffnet Bedeutungshorizonte. Auf seinen unlokalisierbaren und minimalistisch in Farbkategorien gehaltenen Landschaftsbildern, ist allein die Horizontlinie kennzeichnend, für die Grenze zwischen Boden und Land. Die früheren Serien namens LandEscapes und Nightscapes (2021/22) deutet an, dass er die malerische Flucht auch als reale Flucht betrachtet. Der Ort bleibt offen und undefiniert, durch Farbflächen und abstrahierende Reduziertheit, klare Linien und Abgrenzungen. Definitionen finden nur im eigenen Denken statt, agieren wie Signale, die auf etwas hinweisen, was man zu kennen meint. Es geht in Niemanns Arbeiten nicht ums Verstehen, sondern ums Offenlassen und Sehnen im Gesehenen, um die Utopie, die eine Landschaftsmalerei oftmals verheißt. Andere Serien (2005) von ihm lassen ebenso Stellen offen. Sie zeigen Schrift, Sprache und  Personen, deuten Szenen und Sujets an und lassen Grenze wiederum verschwimmen, durch Auslassungen und scheinbare Unfertigkeit. Die Unfertigkeit triggert, gibt Figuren und Konstellationen im Bild jedoch eine starke Präsenz, emotionale Intensität und Schlagkraft, die tief in persönliche Erinnerungen trifft.

Patrick Niemann Info

Die neueste Serie (2024) verbindet die beschriebenen früheren Serien miteinander und lockert Grenzen auf. Die in dunkleren und doch prägnanten Farben gehaltenen Landschaften leiten da, wo früher klare Linien waren, Unschärfen ein und lassen Umrisse, die einst die Ordnung boten, verschwimmen. Das Thema des Fliehens, Offenlassens und gleichzeitig des Öffnens fließt auch in die dämmrigen Landschaften mit ein – sie treiben Richtung Nacht, in der das Unbewusste und Unterbewusste regiert.

Francisca Silva graviert ihre Bildschrift und typografischen Symbole auch auf die Oberfläche von menschlichen Körpern in ihren Tätowierungen. Gleichzeitig ist ihre eigene Handschrift auch in ihren Bildern auf Papier und Leinwand zu finden, die wie eine Geheimsprache erscheinen. Silva schlägt die Brücke und schließt die Klammer, hinein in den Spiritualismus. Sie stellt uns vor einen Kosmos an Eigenheiten, die durch Repetition zur Konvention werden und im Raum ihre Gültigkeit erfahren. Ihre oft immersiven Arbeiten nehmen die Betrachtenden mit hinein, in einen Bann, und wirken nahezu rituell.

Ihre Bilder sind wie Altäre, Privates wird nicht versteckt, sondern absichtlich entblößt – Höheres wird beschworen, gleich einem Tempel der Imagination. Es fühlt sich an, als würde man eingeweiht, wenn man ihre Bilder betrachtet und Teil von etwas ganz Intimen, und gleichzeitig etwas nun Allgemeingültigen. Etwas das schon existierte, etwas, das man ahnte, aber nicht wusste. Francisca Silva interessiert Irdisches sowie Außerirdisches, Sinnliches, als auch Übersinnliches, und zaubert dieses in den Ausstellungsraum.

Alle drei künstlerische Positionen in der Ausstellung Eddie Kola. Grenoble, Grenoble, Grenoble stellen uns vor ein neues Firmament an Zeichen, die an Orte der Sehnsucht verweisen. Und Sehnsucht hat viele Schichten. Sie ist in erster Linie, wie ein Magnet, oder ein Motor. Sie hat immer ein bestimmtes Ziel, an das sie uns treiben will. Das Trügerische und Tragische an ihr ist nur, dass dieses Ziel oft unerreichbar ist. Sie ist Liebe in Verbindung mit Drang und Unmöglichkeit. Sehnsüchtige Liebe danach, woanders zu sein, etwas zu haben oder vor allem mit jemandem zu sein. Eine Erweiterung zu erfahren, die wir denken zu brauchen. Die wir einst vielleicht sogar hatten und in den Händen hielten, aber nicht halten konnten. Oder die uns nicht halten wollte oder konnte. Manches Sehnen ist immoralisch, treibt uns an die eigenen Grenzen, in den

Ländern in unserem Inneren. Manchmal hoffen wir, Falsches mit Falschem wettmachen zu können, versuchen gegen die Zerfahrenheit und Verfahrenheit zu rebellieren, indem wir an einer Hoffnung festhalten, die scheinbar die Einzige ist, die es vermag, eine Erleichterung zu bringen. Und danach dann ist sie die Realisation, dass der letzte Funke von ebendieser Hoffnung meist nicht hält, was er verspricht.

Ein Disput in unserem eigenen Inneren, ist ihr stets auf den Fersen – gegen und mit uns selbst. Das schleichende Kribbeln der wunderschönen Erinnerung, gepaart mit dem realen Gefühl der Niederlage und des Verlierens. Etwas doch noch retten und halten wollen. Sehnen verbindet eines der höchsten Gefühle mit dem der Ausweglosigkeit. Hoffen und Aufgeben reichen sich die Hand und verbinden sich in einem Drang, der an manchen Punkten im Leben kaum auszuhalten ist. Hoffnung, Hingabe und Verzweiflung ringen miteinander, tanzen, schwanken, bis sie dann in eine Richtung kippen. Wir legen unser Herz auf diese Waagschale namens Sehnsucht; pendeln sie in unseren Händen hin und her und hoffen, dass sie auf eine Seite kippt. Oder nicht kippt. Denn Sehnsucht ist der Ort dazwischen. Sie wohnt inmitten der Amibivalenz. Zwischen dem, was sein könnte und dem, was wirklich da sein kann. Sie treibt uns zu dem, was wir so sehr wollen, aber nicht haben können, aus Gründen, die das Schicksal bestimmt. Und Sehnsucht ist Intensität. Weil sie uns unsere Machtlosigkeit, unsere Vergänglichkeit und unsere Sterblichkeit auf bittersüße Weise erklärt. Sie erklärt uns eine Nuance mehr, als allein Liebe oder Leidenschaft es könnte, auch wenn die drei sich sehr nahestehen. Sie bringt uns an den Rand von dem, was wir selbst sein können. Sehnsucht lehrt uns erst kaum aushaltbares Verlangen, und dann, danach, nach dem Verlieren, nach der Ernüchterung, lehrt sie uns Akzeptanz. Sie lehrt uns Vertrauen. Und sie zeigt uns, dass manche Begegnungen und Orte echt waren, doch manchmal nur noch in der Erinnerung und aus der Entfernung funktionieren. Sie lehrt uns auch das Loslassen. Und dann das Wiederfinden. Sie zeigt uns, dass das was wir wirklich sehnen, sich auch nach uns sehnt. Dass es uns sieht und uns erkennt, oder uns woanders wieder trifft. Wir lernen das durch Enttäuschungen. Und egal, wie weit man reist, oder wo man hingeht, da ist man selbst auch. Reist man der Sehnsucht hinterher, verbergen sich oft Trugschlösser hinter ihr, die von weitem aussahen wie Paläste. Wir finden sie und uns hinter dem, was dazwischen liegt. In dem, was dahinter liegt.

Für die Ausstellung Eddie Kola. Grenoble Grenoble Grenoble im La Felce zeigen uns Patrick Niemann, Francisca Silva und Ramon Quenders ihren Blick auf ihre Sehnsüchte und Sehnsuchtsorte. Teilen mit uns Geheimnisse, spiegeln unsere Sehnsuchtsorte, und kreieren zusammen eine Bildwelt, in der sich ihre Ziele und Zeichen aus anderen Welten, Orten und Momenten zusammenfinden. Sie zeigen uns, was dazwischen und dahinter liegt.

Elisa Mosch